最近一位摄影师朋友写了一本书,标题就是《手机摄影:从小白到大师》,我觉得这个标题恰好能够表达我这篇文章的主旨,后来想想大师还远远不是,于是改成了“大神”。在我之前网络上太多手机摄影教程类文章,几乎所有都是“实”用主义的技巧,我就在想,讲技术大有人在,我也没什么可以说的,也许,现在的手机摄影培训需要一些“虚”的东西,打个比方:每个人都能给好照片一个标准,会给别人的照片打分,但为什么自己却拍不好呢?所以我就想聊聊“大道理”:手机摄影是否算的上真正的摄影,手机摄影从小白到大神之间,到底存在一种怎样的内化?

这篇文章是一篇实验性的文字,也可以当成对于自己手摄之路的一次另类总结,也聊一些自己这几年的一些手摄心得经验体会吧,算是一篇初稿,如果口碑还好我会查阅一些资料将其扩展一下,让它更正式一些,就像我前面说的,这是实验性文章,没有参考想到哪写到哪,如有疏漏,还请包涵指正。(其实实话是,年总已经投了手机摄影征文,所以才被迫鼓捣出这篇,想看照片的可以去我的历史文章……)

(本文所有照片使用手机拍摄后期)

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首先我想提出一个问题“我们为什么要摄影?”

你的回答会是什么呢?我个人的回答并非是那些追求艺术造诣,展现人文之美,或者呈现社会底层状态,记录真实之类的体面话。

据我观察,大部分最初开始手机摄影的人几乎都有一个共性,其中很多都表示过自己曾是内向不善言辞的。现代社会是以外向型人格为主导的社会,内向的人似乎由于社会偏见和现实因素要更难获得社会资源,同时需要承受更多压力。

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这里不得不谈到一本书,阿尔弗雷德·阿德勒的《自卑与超越》,书中告诉我们,我们每个人都有不同程度的自卑感,由于自卑感总是会造成紧张,所以争取优越感的补偿动作必然同时出现,但是其目的往往却不在于解决问题,这种动作总是朝向生活中无用的一面,所以我们大部分人都缺乏有效的补偿动作。而摄影,特别是手机摄影对于一部分人来说就是一种比较广泛、比较有效的“补偿动作”。相较相机摄影,高度自动化的手机摄影的门槛相对较低,具有草根属性,大多数人都愿意尝试,并很容易上手,同时性格内向的人善于静下心来思考,在摄影方面反而更具优势。而且由于最终呈现的是照片,中间的过程是自由和随意的,可以利用任何时间间隙,随时随地,根据自己的想法去创作,这中间没有太多限制。

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所以,回到我们为什么要摄影的问题,这实际上就是一个“超越自卑”的问题,磨难让我们对人性的美理解比一般人更深刻,我们都想通过某种艺术形式以磨难换取来的感悟提升我们自身的价值,寻求认可,找到生活的目标与意义,并从中赚取面包和牛奶。就如这世界上各种各样的其他爱好一样,获得价值,这大概就是我们为什么摄影的初衷。门槛低的手机摄影,则是一条非常适合凡夫俗子“超越自卑”的途径。目前想通过手机摄影脱贫很难,但不可否认其有“超越自卑”的作用,我想这也正是手机引发全民摄影时代的驱动力之一,在我认识的手摄大神里,有的是乡村教师,有的是幼师,有的是理工科学生,有的是公务员……因为人人都想成为xx师,人人都想让自己活的充实、更有价值。



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然后我们聚焦一个关键问题,有人可能会质疑:你就一玩手机的,拍的再牛也能算大师吗?

先来看一张图(摘自摄影师卢根的课件):

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这里还要补充两点:
2000年,日本夏普公司联合电讯供应商J-Phone推出了世界上第一款能拍照的手机,像素只有11万。
2008年,诺基亚卖出的拍照手机超过了柯达,成为世界上最大的相机生产商。

关于前面那个质疑常常伴随着一种器材党的不屑,就现实来说,几万的相机加上几十万的镜头和配件,确实在专业摄影师的手里会比手机拍出画质更好的作品,但这回答不了前面的问题,因为摄影并不是以画质为最终评判标准的,事实上,从古至今,在任何领域都可以诞生大师,任何工具都有将其发挥到极致的可能。摄影界流传很广的一句话实际早就给出了答案“摄影最重要的是镜头后面的那个头”,要达到相机般的正式,不仅可以通过你的照片内容、构图来实现,甚至即便是最表面的调色玩到极致,也能产生惊人的效果。

同时手机摄影有自己的分类,专属比赛,评选的核心标准也并没有和主流摄影本身有什么不同,甚至可以这么说,手机摄影是当代的主流摄影不可忽视的一部分。 或许手机摄影根本就不是一个独立的门类,而应统称为摄影。

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▲ 国际赛事IPPA

此外,手机摄影的画质也在每一年大量竞争激烈的手机机海迭代中获得快速升级;手机摄影的硬件也在不断创新,不少诸如电容屏、点按对焦、人脸识别等等新技术也反过来被专业相机吸纳学习,可以说,手机摄影促进了摄影产业的发展。

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▲ 历代iPhone低光对比

但除了以上,手机最重要的优势在于,这种优势是单反所恰好不具备的,那就是广泛性,便携性和隐蔽性(或较弱的侵略性),不要小看这三点,广泛性决定了我们几乎每人每天都携带,且不说用户基数红利;便携性决定了可以深入很多场景,拍到单反无法企及的角度,以上两点大大增加内容的发现率,这就是为什么手机摄影的构图往往更灵活的原因;同时隐蔽性可以减少对被摄者的干扰(注意这里不包括不良企图的偷拍,仅限于艺术表达的目的),捕捉到更自然的人物表情和姿态,当然你可能会说单反可以用长焦躲在很远拍摄也不会干扰被摄体,但是那意味着更差的便携性,无异于拆东补西,手机在做到不牺牲便携性的同时也做到了隐蔽性。以上可以说是单反的硬伤了,所以单反无法全面超越手机,各有千秋也就难分高下。

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▲ 陈可辛的短片《三分钟》,一个孩子支撑起iPhone跟踪拍摄

虽然有点自卖自夸的意思,但是这些观点都经过了反复的论证和自我怀疑的过程。所以,手机摄影,让摄影的概念普及,并且它不是一种更低级的摄影,成为大师虽然并不是我们的最终目的,我也不是什么大师,但手摄中的确也能诞生大师。

Tips:关于手机的选购

摄影师选择的标准不应是最佳条件下拍到的画质,而应该是普遍条件下能拍到的画质,还有普遍条件下能用的功能,譬如连拍,对焦、快门响应速度。如果一款手机的广告将手机最佳的状态展现出来,却忽略其实际体验,成熟的用户都应该识破。如果一款手机画质极为出众像素极高但是在此像素下无法连拍,或者快速抓拍,那么综合来讲我也不推荐你购买。举个例子:为什么iPhone万年1200万,因为基于1200万像素的配套技术已经很成熟,但仍有潜力未被深度挖掘,试想一下X用了2400万像素,那么到了XS如何在毫秒之内流畅完成多达9帧合成的Smart HDR?

还有系统相机拍出的原片不应是极为好看讨好眼球的(饱和较高),而应该比较素雅,留出足够的后期空间。同时显示画面的屏幕不应该让照片显得特别好看讨好眼球(饱和较高),而应还原准确。

此外,手机后期App也在这个考虑范围之内,丰富且易用的后期软件生态对一个摄影师来说也有所助益。



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从小白到大神,这其中有着怎样的一些内化?

很多摄影爱好者都会遇到这样的时刻:在最初尝试手机摄影的时候,你无从下手,乱按快门最后发现没有一张满意的;当你费劲心思拍摄并后期一张自认为是作品的照片,并信心满满地将它po到朋友圈或者群里准备收货一波点赞和赞叹时,却等来了一片寂静或是批评;当你看到别人不断地像流水线作业一样高产大量精美无比的手机照片时,你心中的那种落差和羡慕;最初,当你苦于只有想法却没有技术时,就会存在着一种“自卑”情结……那么克服“自卑”的途径,当然是练习与学习,不断试错,不断的自我批判,从失败中汲取经验,根据自己的实际情况调整;学习别人的技术,但前提是保留自我的思想。这整个过程虽然细节上有所出入,但都有一定轨迹可循。

同时伴随生活中个人的成长,对美的理解也在不断发生变化:

第一阶段

内容:静物,微距

当我们第一次尝试摄影时,模仿就已经开始了,我们之所以会去拍就是想获得与精彩大片同等甚至更高的成就感,我们平时看的电影、商业广告,绘画,摄影作品都会影响我们的拍摄和后期思路,从潜在意识指导我们去拍摄,我们的创意当时只在少数时候冒出萌芽,最初的模仿甚至说成是抄袭也没有什么可耻的,因为这个学习阶段没有任何商业性质,也无法具备商业属性,毕竟都是很稚嫩的照片,所以请大胆的“抄袭”。

而摆拍这种设计行为在拍照初期就出现了,哪怕专业摄影师也避免不了,所以我个人觉得摄影并不像很多人说的是为了还原真实,时空的真实是无法通过平面的照片还原的,而设计的成分一直存在。

因为这个阶段我们都是初学者,脑海中没有积累经验和技巧,那么我们就无法驾驭复杂的画面元素,同时我们萌生拍照的念头往往都是在家中的闲暇时间,因此这一阶段比较多的手摄爱好者往往会去尝试拍摄家中的物品,一些有艺术气息的静物,譬如茶具,手表,手办等等,事实上,这些背景和元素简单的局部场景的确更容易让初学者掌控构图。

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当你拍摄了大量静物之后,你会发现垂直俯拍是一种非常容易产生视觉冲击力的角度,这也成为日后一些食拍大神常用的拍摄角度。

花花世界将你的目光引向外界,我们的拍摄场景会很自然地延伸到户外,可是凌乱的街道我们不易驾驭怎么办?其实户外也同样存在相对简单的画面,那就是非常常见的植物,同时由于手机主摄较浅的景深,在拍摄花卉时却能实现类似单反虚化的效果,简化画面的同时也让视觉效果有单反的感觉,所以手摄初期拍摄植物是十分讨巧的做法,而且植物的曲线也很适合练习构图。

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当你拍摄了大量植物时,你会发现晴天逆光的手机成片比你眼中看到的影响要大,后期也很难救回来,所以你会意识到:并不是你拿着手机出去就能拍到你想要的!慢慢地你至少需要总结出在一天中最适合拍摄的时间段,以后你还需要总结出一年四季的光线特征。

大量的拍摄经验,会练就一双摄影眼,知道什么画面适合手机来拍摄,什么角度可以扬长避短,并明白各种光线对成片的影响。

因为手机照片的文件比较小,这一阶段建议不要吝啬,在多个角度多拍几张,并尽可能的保存下来,在翻阅时进行一些思考。

Tips:为什么有时候我们看到一幅自认为漂亮的画面拍出来却平淡无奇?

首先科普一下:据百度上的资料,人眼聚焦时的视角大约相当于50mm的透视,35mm的视角,iPhoneX和XS的主摄等效焦距分别为28和26mm,加上人眼感官对物体透视形变不严重,所以大部分手机主摄像头和我们肉眼的视角不同,就透视来说手机摄像头畸变更严重,视角也比肉眼要广,因此现场拍到的主体比我们实际看到的要渺小,此外还有后文会提到的宽容度和纯净度的差异,导致手机照片的视觉冲击力更弱。所以我们除了用肉眼发现,还要培养摄影眼,当然最好的办法就是用手机取景框去观察。

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▲ 聚焦的人眼视力范围与手机主摄画幅(大致)

构图:试错

这一阶段我觉得可以尝试任何构图,甚至歪歪斜斜的,目的是通过不断的试错来提炼什么是普遍认知下应该避免的构图,你就会明白,平给人安全感,歪斜的地平线虽然很酷,但会让人感觉眩晕不适,我们至少应该保证地面是平的。试错越多你的理解就越深,基础就越牢固,在不断的尝试中,你会逐渐熟悉一些容易让画面变得舒适的、最常见的构图技巧,譬如三分法,中心式。

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▲ 酷酷但眩晕的地平线

元素:“越多越好”

手机摄影初期大部分人都有类似的过程,由于你对美学的理解力有限,仅仅希望简单粗暴的将好看的元素通通拍进一个画面里,用“量”来吸引眼球,但同时又不会协调画面中的元素,结果只能是看起来混乱,照片缺乏凝聚力。但这是一个领悟的过程,通过不断追求,慢慢地理解自己的照片内容为什么不够好看,从而给你的下一次拍摄引入“少即是多"的概念。

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后期:

Tips:为何需要后期

不仅是透视和视角,就是相比人眼的宽容度和纯净度,手机甚至有的相机都很难达到,大部分手机在白天光照不充足的环境下拍摄的画面要灰、平一些,还有白平衡不准的问题,所以即使是还原真实我们也需要后期,这就是为什么原图党常发一些空气通透阳光明媚时拍的顺光原图的原因,所以我非常肯定的说,手机摄影很多时候都需要通过后期来还原,更不要说美化了。

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▲ 左边iPhone,右边相机

基础参数:

《摄影,手机就够了》这本书里以“眼见为实”作为照片真实的样本,就是我们常说的肉眼所见,然后把后期大致分为四个类别:1.还原真实,2.美化真实,3.掩盖真实,4.重塑真实。

既然后期至少需要还原现实,那么我们就要明白亮度、对比度,饱和度的原理,我需要知道色彩的三要素:色相,纯度(饱和度),明度(亮度),这些基础的东西理解了以后,我们就可以对照片的视觉效果做一些简单的还原及美化。

心理上对色彩的初期理解,就是足够夸张强烈吸引人,所以可能会大幅调整饱和度和清晰度(snap里的戏剧效果),虽然现在看来很夸张,但最初这样也没有什么丢人的,很多大神都经历过此类阶段,只是经过一段时间后视觉心理上的成长,你会对后期调色有新的认识。

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▲ 强烈的质感和色彩

一键滤镜:

然后我们会接触到滤镜,运气好,滤镜也可以是一种捷径,让基础条件较好的照片锦上添花。由于你第一次使用滤镜,你很容易满足于滤镜显著的提升,所以无论是VSCO还是其他滤镜App最初基本上都是使用简单粗暴的一键滤镜,其他细节也没有想过要更精准的调整。

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分享与评价:

这个阶段的你勤于不断的分享自认为优秀的照片,但评价照片和自己的水平没有多大关系,所以无论在哪种水平的社群里,大家都会对你的水平有一个印象:那就是他们觉得你拍的一般甚至比较差。这时对于你的评价反而宽容,只要有亮点就会给予鼓励,这个阶段虽然收货不了很多具有建设性的建议,但也不太容易打击你脆弱的积极性。

第二阶段

内容:本地的市井街巷

当你慢慢感到拍摄局部的单调时,这时你实际上已经基本掌握了一些基本的构图技巧,就会开始试探性地拍摄大场景,因为大部分人家门口就是街,所以这时候往往最容易接触到的就是街头摄影,特别是一些有年代感的街巷,深色的砖墙和斑驳的窗棂显得很有历史的厚重感,这种主题很适合生活非一线城市的摄影爱好者,而当这种场景加上胶片类滤镜后也会很好看,所以很快你会迷上街头摄影。我不是个爱出门的人,拍摄则让我更多的去户外活动。

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同时我们会尝试长曝光等拍摄方式,从这个过程中熟悉摄像头的一些拍摄原理(光圈,焦距,感光度,曝光时间,曝光补偿等)。

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慢慢的,你会模糊的明白一些增强视觉冲击力的方式,譬如拍摄有张力、陌生感与戏剧性的内容。

构图:常用的构图公式

这时候通过拍摄局部积累的构图规则可以很方便的套用在大场景中,大大提升画面的视觉美感,对于我来说,这一阶段对称和黄金比例是用的最多的。

此外开启你手机取景框里的网格线对齐现实中的物体,达到横平竖直。

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Tips:为何手机摄影流行横平竖直与方形构图。

之前看过一些解释,譬如Hipstamatic和Instagram带火了方形构图;还有就是说具有秩序感,四条边等长,方形里面还能分割出很多小正方形,方便营造线条、规律、几何等一些列构成图形,简而言之就是具有归纳性。 不过这都是别人的总结。

我从自己的经验——拍建筑的角度来分析一下:

首先我们知道常见的手机原片画幅是4:3,在站立姿势下,你如果想保持正前方的建筑横平竖直,就需要将手机举到目光前方纵向垂直于地面拍摄,而此时画面下三分之一部分是地面,上面三分之二是建筑,以照片顶部为边正方形截图正好保留了建筑和一小部分的地面,也将畸变降到了最低。

而拍摄更近更低的建筑局部时,手机保持在被摄的平面前纵向垂直地面,这样同样能保证在画幅中间裁剪一个正方形以后墙面的元素是横平竖直的。

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元素:简化,模仿极简

此时通过观看大量的摄影作品,你会渐渐被所谓的“极简”所诱惑,为什么说是“所谓的‘极简’”?这个后文会提到。目前我们只管尝试一下简单的画面元素,譬如一些纯色的背景,强烈的对比,层次较少的剪影……把画面简化后,画面的张力向主体汇聚,更具视觉冲击力,上传ins也会让相册显得更有逼格,不过,这样真的就是极简了吗?

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后期:美化现实

(vsco)滤镜+高级参数:

当我们不满足于只套滤镜的过激效果时,这一阶段我们套用滤镜往往不会将强度加满,同时尝试着在套用滤镜过后继续调整参数,高级参数包括曲线、高光、阴影,色温,色调,色调分离等等,这使得画面不再因为滤镜而出现过曝或者欠曝的问题,同时保证画面整体色调不会失真,而通过色调分离还可以加强画面的风格化。以上这些参数最终营造了照片的风格倾向。


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套用预设:

主要指lightroom预设,观察预设的各项参数起到学习的目的,以便日后自己调出。

仅使用高级参数调出单色基调的效果:

什么是单色基调,这是我自己的说法,就是画面中的色彩主要呈现一种倾向,譬如整体偏蓝。

如图,如果你无法驾驭多种颜色的调色,可以选取一些画面色彩元素比较单一的照片来练习,因为这样的照片仅通过色温,高光,阴影,亮度等参数的简单调整,就可以实现日系小清新等风格而不至于失真。

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如上面几幅图,由于画面的色彩元素比较单调,正好可以通过调整色温,高光,阴影,亮度等实现像日系等风格而不至于失真。

这个阶段的调色不再狂提饱和度和清晰度,更接近真实的色调和质感。

这里再提一点:当你感觉之前拍的或者后期都是垃圾时,这并不是坏事,这恰恰说明你的审美、色彩感知力提升了自我要求,到了进步的临界点。

分享与评价:

这个阶段,如果你在小范围里具有了一定的知名度,你的炫耀心理不会那么强,自然就会减少曝光的频率;我在这个阶段就发现一个很有意思的现象:我虽然拍的更好了,但是却挫败的发现大家对我照片的差评和挑刺比以前还多……实际上,这是因为许多人对你的期待值会变得较高,甚至有些同是摄影爱好者的人会感到一丝威胁,所以虽然你的照片水平更高了,但大家的评价反而会比以前更苛刻。作为一个过去接受了大量鼓励的人,虽然很多话不中听,但这时他们的苛刻建议反而成为你学习进步的动力与契机。

第三阶段

内容:城市建筑和人文纪实,少量创意特效超现实或其他实验性内容

在这一阶段大家或许会选择离开自己生活过的范围,走向更未知,更广阔的远方,也面临更多挑战和考验。面对很多不曾拍过的不同风格的场景,我们需要在大脑里调用曾经看过的大片,以此为参考去拍摄,去后期。当然如果你的条件不是特别适合到处旅行,将自己居住的城市拍出不寻常的感觉也是值得肯定的,往往最考验摄影师都就是从身边的平凡中提炼美,像我其实就很少去外地,主要拍摄自己居住的城市南昌。

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建筑结构中引入人的存在,让规矩的画面增添一丝活力。

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人文题材里由于经常出现人的元素,而人体结构拥有很多曲线,所以这也是最考验构图的一类摄影。

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创意特效超现实作为一种具有设计性的创作,可以作为纪实摄影的调味剂,打开思维的束缚。像MPA这样的国际赛事也接收创意特效等修改画面元素的作品。

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这个阶段我们应该熟悉四季光照的基本规律,并且善于利用手机App(指南针,天气,太阳定位等)安排拍摄计划。

回顾前三阶段,照片的内容从形式与概念转向内涵。

构图:打破规则,快速反应

此时经过了大量阅片量和出片量的我们已经深谙构图的一些套路,无需过多的思考就可以下意识地进行构图在短时间内完成拍摄,并且我们还会时不时的突破规则,偶尔进行一些构图的实验,尽一切想法尝试各种可能性,很多人喜欢删除废片,这个我觉得如果容量足够,尽量不要删除,当下的思考未必是全面的,废片也有可能在未来引发你的思考,甚至被重新构图,让废片重现生机。

回顾前三个阶段,构图从学习规则走向忍不住去打破规则,如果一直在规则里循规蹈矩,这样的摄影也就停止发展了,你反而是不会领会真正的规则,解构的同时还要建构。

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此外,一些特殊情况下,拍摄一定要在非常短的时间内做出复杂判断、按下快门,譬如需要拍摄的物体譬如车辆和行人正在运动中,而角度和构图还未确定,这时容不得你过多的思考,直觉是当时最有力的武器,实际上,经过长期大量的拍摄和二次构图,你已经将构图技巧从意识内化到下意识,直觉里涵盖了所有法则。所以总结起来就是:如果时间来不及,只管相信自己。

而此时手机的连拍功能也显得十分重要,在这种时刻iPhone连拍迅速,对焦准确的优势就体现了出来,而像一些动辄4000万像素这种连拍体验很差的手机则会让你错过。

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元素:返璞归真

这一阶段你可能会疯狂试探更复杂更凌乱的场景,这时候非常考验你掌控画面各种元素的能力。

苹果首席设计师Jony Ive说过一句话,我觉得现在拍所谓“极简”的摄影师都应该多读几遍:“真正的简约并不是删繁就简,而是在纷乱中建立秩序。”这个阶段我开始重新审视什么是极简。

上文提到为什么说是“所谓的‘极简’”?因为初学者常常会将“极简”误解成“简单”,此时多数人被一些作品的表象诱导成:好像拍一些背景简单元素单调的画面就是极简作品!这其实加深了我的疑惑,因为那样的照片有时太容易拍了,也许实际情况是,我们离极简的境界还很远,虽然这不妨碍我们去尝试,但最终我们又会开始怀疑,一部分先知先觉的“极简控”会减少拍极简的数量,重新回归到对复杂现实的探讨中来,有点“返璞归真”的意思。

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后期:美化及掩盖现实

通过拍摄建筑,学会了使用SKRWT这类App修正畸变,并使用修复类软件(Retouch)抹去画面多余元素,使得画面比现实更简洁。

使用预设:

主要指lightroom和泼辣修图预设,在套用预设的基础上不同照片上做出不同的调整,让预设适应照片。

仅使用高级参数调出双色基调的效果:

什么是双色基调,这是我自己的说法,就是画面中的色彩主要集中在两种色彩倾向中,譬如阴影偏青,高光偏暖。同时保证画面自然不失真。

如图,通过调整曲线,色调分离、HSL等参数实现具有经典风格化的“美化真实”,譬如日系,德味,后现代科技风等。

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这个阶段你已经很少套用滤镜了,顶多在收尾时用一个滤镜的最低强度增强一点氛围。同时这一阶段的调色风格饱和度更低,通过HSL部分色彩的饱和甚至低于真实水平,同时照片整体色温偏冷又和真实不同,呈现明显的风格化。

这里提一下:如果你调色调了很久也不满意,越调越拿不准,这时你需要停下手中的工作,因为人在专注于一件事的很久感觉会麻木,你需要冷静一下,喝杯茶或者看看窗外,然后隔一段时间再开始调感觉才会准。经验之谈。

Tips:两大风格
在摄影上一直有着两大风格,已经被无数摄影爱好者模仿学习:日系和德味。
日系的特征:适当过曝和低对比,低饱和,偏蓝。
德味:是个泛泛的概念,大多指的是“红、蓝表现浓郁,色彩过渡自然”;也有说法是粗看整体泛黄,但不是亮黄,而是陈黄,细看却又不似黄;还有的说法会说德味色调有些偏冷。不管是哪种说法,总之以观感舒适为标准。
知道了他们的特征,有助于你更好的调色。


随着时间变化,我发现自己对色彩的强烈程度越来越克制。

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分享与评价:

这时你被许多人称为“大神”,懂得低调,已经很少在社群里刻意展示自己的照片,只在自己的朋友圈或者一些比赛里发布照片,有时还会获奖,身边的人给予越来越多压倒性的赞叹,这个时候想要进步有些难,因为当局者迷自己会有些飘,且高于自己水平的建议越来越少,如果你在经历这个阶段,建议买一些专业书籍来作为参照,冷静审视自己的不足。

风格与自我:

个人风格的确立一般发生在第二阶段或这一阶段,但是很多人就是在这两个阶段丧失了自己的风格,我们学习的是技术,并非照搬形式、逻辑、风格与思想,模仿固然有益,但很容易上瘾,如果程度把握不好,则会沦为彻底的模仿者。

目前我即大致处在这个阶段,给前三阶段做一个归纳总结:


再提炼一下,我个人觉得摄影的境界就是从“不好看”走向“好看”,再从“好看”走向“不好看”,当然第二个“不好看”与第一个不同,是一种“不美”的错觉,但它其实脱离了艳丽,回归朴素,重新从朴素中提炼更深刻的美,因为朴素的美更接近本质,这样的照片也包含了更多的真相,同时又不让真相露骨、失控。毕加索说过:“直到我老年时,我才学会像个孩子一样画画!”,审美的变化就像是儿童时期倾向于喜欢可爱与纯真的事物,青年后倾向于喜欢成熟与智慧,成熟后又重新找回纯真。美的升华就是不断的循环这种过程,但每次的循环又进入更深的层次。

第四阶段的展望

内容:寻找并确立适合自己的风格和主题,期待尝试一些超现实,一些新锐

其实没有那一套规则要求一个摄影师一定只能拍一种风格,开放的思维有益于自我风格的培养,在摄影初期更是如此。

构图:更多曲线构图,打破构图规则,并自成一套体系。

拍摄一组构图逻辑类似的图,也许探索自我风格的有益尝试。

元素:新极简,在纷乱中寻求秩序。

以前有位摄影师说过,只有熟悉了剑法才能做到手中无剑,当你可以驾驭复杂的元素,并能够在“纷乱中建立秩序”的时候,你才真正开始了极简之路。

后期:美化及重塑现实

仅使用高级参数调出三种或三种以上颜色基调的效果。尝试仅用曲线、色调分离、色阶等参数调出胶片风。

学习通过直方图和矢量示波器分析一张优秀后期作品的后期思路。

尝试一些更复杂的超现实特效后期。

当然还有更遥远的第五阶段,展望一下,大概如摄影师韩松解释的一样:“干净,节制,放松”。更远的终极目标,我觉得那可能就是不拍摄,用双眼去看,《白日梦想家》里有句台词我印象很深“如果我喜欢一个时刻,我是说我个人很喜欢时,我不喜欢相机让我分心,我只想沉浸在那个时刻。”(西恩潘在山上等待拍摄雪豹,当雪豹真正出现时,他却没有拍。)假如存在那个阶段,我大概已经不需要拍到来证明自己了。



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历经了前三个阶段,我也不过只学到了一些皮毛,你会发现那些真正重要的部分在第一阶段之前就已经发生并存在了,是你看过的电影、读过的书、遇过的人,正是这些的东西决定了你摄影的灵感,当然,这些更大的范围是一篇文章所涵盖不了的,也是短时间无法恶补的,只能期望你有丰富的爱好。很多摄影师都指出:照片的风格和摄影师的性格和思维有关,所谓功夫在诗外,摄影的主体不是一堆设备和几个参数,而是你的思想与情感,这是别人学不来的。

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回到文章开头的问题:每个人都能给好照片一个标准,会给别人的照片打分,但为什么自己却拍不好呢?因为你和自己沟通不够,没有打通意识和潜意识的壁垒,没有让身心协调起来,技术储存在意识中,而直觉源于潜意识,我这篇文字试图阐述的就是它们之间的部分,一种建立手摄意识的过程,但愿可以让不懂的人树立初步的概念,懂的人深化你的理解。

最后我想谈谈技术,有人可能会问“随着越来越多的一键App,越来越多高度自动化的功能,技术是否变得越来越不重要?”现在的iPhone拍照用相机App几乎就是一键式的,不需要我们调整参数,而且曝光白平衡等都比较准了,确实很多不懂参数的人也能一键拍出很好看的照片,这是科技给有摄影天赋的技术盲带来的福祉,真没必要否定它存在的意义。但同时我觉得技术不会变得次要,随着越来越多的技术打包下放成自动化的App或者其他一些形态,与之带动的更高级、更复杂的技术又被发明出来,所以这是一个后浪推前浪的、学无止境的过程,新青年变成老法师,就像这新年辞旧迎新,90后被00后超越这么可怕,只不过如果你掌握的是一些本质的东西,哪怕技术变换了形态,你依然能很快学会。

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从小白到大神,大神仅仅是个称谓,作品是个结果,而这中间的过程则是摄影真正神秘的部分,它包含着美学与意识的发展规律,当你在成长,慢慢明白什么是真正的美,这就将成为你个人价值的体现,也希望每一个人都能找到自己的价值所在,无论摄影与否。

“手机断断续续拍了十个月,而我并没有对摄影有多少了解,一切看似那么简单又那么复杂,直觉是那么尖锐而又脆弱,才华本身并不真的存在,直到它变成悲伤的附属品,成为我们身体里的血液,变成我们的谈吐、我们的语气,难以名状和我们孤独的灵魂不可离分,才会出现一个罕见的时刻,一个决定我们本质的瞬间从万千光影里浮现,而后脱颖而出。”      


—————  一次获奖时的感言

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大家可以放心去厕所了,这次没有彩蛋!顺祝2019新年快乐。
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